[REVIEW] Guía de Comics Norteamericanos

SENSATION COMICS
All-American Publications
1942 a 1951
109 números

SENSATION MYSTERY
National Comics
1952 a 1953
7 números (110 a 116)


Wonder Woman, la creación de William Moulton Marston, era tan popular entre los lectores (o al menos entre el personal de la DC) luego de su debut en All-Star Comics #8, que fue elegida para encabezar este nuevo título antológico. Sus aventuras esencialmente feministas, ilustradas con un estilo corpulento por H. G. Peter, le dió al título una atmósfera como nada en la industria ofrecía. Desafortunádamente Wonder Woman es la única estrella de los primeros años de Sensation Comics en ver re-publicadas sus historias en los Wonder Woman Archives. Las historias de complemento del título fue la mas colorida colección alguna vez unidas en una revista de atletas disfrazados y copiados de películas populares de esa época. Mr. Terrific (1 al 63) era el prodigioso Terry Sloane. Al borde de cometer suicidio ya que todo se le hacía muy fácil, él descubre una nueva misión cuando rescata a un joven muchacho de una vida de criminal. Vistiendo un disfraz cuyo aspecto mas remarcable era el suéter con la leyenda "Fair Play" (Juego Limpio) tejida en el vientre, él salía modestamente como vengador justiciero. Wildcat (entre el 1 y 90) era el campeón boxístico Ted Grant, quién se inspiró en una revista de Green Lantern para combatir el crimen con sus nudillos al descubierto mientras se vestía de piel negra. Muchos buenos artistas trabajaron en la tira un sus últimos días, incluyendo a Kurtzman, Krigstein (81 y 84) y Kubert (65, 66).


The Gay Ghost (1 al 42) era un noble ya fallecido quién, poseyendo el cuerpo de su descendiente ya muerto debido a la vida de crimen que lo llevó a su trágico final, sale a expiar sus fechorías, y comienza a salir con la chica de este último, quién habilmente fue poseída por el amor ya fallecido del fantasma. Y además estaban Little Boy Blue and the Blue Boys (entre el 1 y 93), tres chicos matones de los barrios bajos quienes se vestían con ropa interior azul y salían a hacer reir al barrio... bueno, no, ellos deberían hacerlo, pero en lugar de eso combatían al crimen. Hacia el final de la serie a ellos ocasionalmente se les unía Little Miss Redhead, una muchacha quién realmente sabía mas de la vida de lo que debía. Finalmente The Black Pirate (1 al 51) era un aventurero a lo Douglas Fairbanks, al que luego se le unió su hijo en sus aventuras acuáticas. Originalmente con arte del ilustrador de Hawkman, Sheldon Moldoff, con trazos mas duros que nunca. A pesar de la poco original naturaleza de estas tiras, por ser políticamente correcto, todas ellas tuvieron corridas respetables, siendo la única adición significativa, mas allá del número 1, el místico Sargon The Sorcerer (34, 35, 36 y 52 al 83).


En virtud de su longevidad y persistencia, muchas de esas series se fueron perfeccionando con los años, pero casi no importaba que es lo que había detrás de las revistas, mientras la mezcla de sado-masoquismo y preferencia de Wonder Woman les fuera dado a los lectores. Para fines de los años '40, igualmente, las ventas fueron cayendo y los editories de la DC decidieron intentar una nueva táctica. Ya que la presencia de Wonder Woman le daba a Sensation una gran audiencia femenina, ellos tiraron por la borda las otras aburridas tiras, y convirtieron a Sensation en una revista de solo chicas. El primer número con estrógenos fue el 94, y Wonder Woman recibió una nueva apariencia. Aun era la figura central en tapa, se encontró a si misma llevada en andas por su novio muñequito, sentada en un escritorio como "Wonder Woman, Editora de Romance" respondiendo cartas de lectoras sin novios, y modelando, todo en unas desalentadoras tapas rosadas que seguramente hicieron huir a sus viejas y desconcertadas lectoras.


Las nuevas tiras incluían a la Dra. Pat, una joven y, por supuesto, atractiva médica quién luchaba por ser tomada en serio; Valery Vaughn, alias Lady Danger, aventurera principiante; y Astra, Girl of the Future, una chica del espacio exterior. Sin ser sorpresa, la fase de chicas fue un fracaso absoluto. A pesar de algún buen arte (Infantino en Dra Pat, Oksner en Lady Danger) no mas chicas que las acostumbradas compraron el título, y los chicos, alejados por los colores pasteles y las sentimentaleras tapas, desertaron. A partir del 107, todas las tiras, incluyendo Wonder Woman, fueron sacadas, y el título fue reconstruido nuevamente con el aventurero supernatural Johnny Peril liderando, espléndidamente ilustrado por Alex Toth. Infantino, Sy Barry y otros integrantes top de la DC llenaron el resto del título con cautivantes y evocadores extraños relatos. La nueva fórmula tuvo el éxito suficiente como para que el título fuera cambiado a Sensation Mystery a partir del 110, pero debido a las bajas ventas y los cada vez mas preocupados padres y políticos sobre las (falsas) conexiones entre las historietas y la delincuencia juvenil, causaron que la DC cancelara el título en el número 116.

WORLD'S FINEST
National Allied Publications (actualmente DC Comics)

World's Finest Comics
10 de febrero de 1941 al 24 de octubre de 1985
323 números

World's Finest
12 de junio de 1990 al 21 de agosto de 1990
3 números

Legends of the World's Finest
4 de enero de 1994 al 8 de marzo de 1994
3 números

World's Finest Three
30 de octubre de 1996 al 27 de noviembre de 1996
2 números

Batman and Superman: World's Finest
7 de febrero de 1999 al 24 de noviembre de 1999
10 números

World's Finest: Our Worlds at War
29 de agosto de 2001


Desde el primer número, titulado World's Best Comics, Superman y Batman compartieron las tapas, a menudo en instancias patrióticas cuando los Estados Unidos entraron a la Segunda Guerra Mundial, pero en las historias dentro de las revistas no se encontraron sinó hasta una década después. Los primeros números presentaban una variedad de tiras para contrarestar a las estrellas super-heroicas que protagonizaban las tapas. Hop Harrigan (un piloto aventurero), Young Dr Davis, y Red White and Blue (tres jóvenes soldados luchando contra nazis y saboteadores). También estaban Crimson Avenger (hasta el 5), la excéntrica tira super-heróica Johnny Thunder y su humorístico Thunderbolt, y Zatara el mago estuvieron hasta el número 51. Gradualmente, sin embargo, otros super-héroes fueron arribando: T.N.T. y Dan the Dyna-Mite, dos super-héroes que daban puñetazos explosivos, estuvieron solo en el número 5. Pero Sandman (por Joe Simon y Jack Kirby en los números 6 y 7) y Star Spangled Kid (a partir del 6) duraron bastante. Así lo hizo también Green Arrow, quién hizo un impresionante debut en el 7, sin dejarse derrotar sino hasta el número 140. Los Boy Commandos se unieron a partir del 8. Desde el número 10 las páginas se contaban en unas generosas 100, y a fines de los años '40, caida la popularidad de los super-héroes, estos comenzaron a ser reemplazados, inicialmente por una sucesión de tiras de corta vida. La Guerra de la Independencia y el héroe fronterizo Tomahawk tuvieron una larga carrera, a pesar de todo, entre los números 65 a 101, a veces dibujado por Nick Cardy, estrategicamente yendo a la par de su propio título.


El número 71 de 1954 fue uno importante. La reducción de páginas impulsó a que las tiras de Superman y Batman fueran combinadas, introduciendo así el equipo por el cual el título sería recordado. No había peligro de incompatibilidad ya que el Batman de los años '50 se encontraba con extraterrestres y viajando a través del tiempo en su propio título. Muy parecido a Superman, por cierto. Superman utilizaba sus músculos mientras que Batman usaba sus habilidades acrobáticas y detectivescas, pero como el editor Jack Schiff también editaba los títulos de Batman, este tendía a predominar visualmente, con el artista Dick Sprang siendo regular aquí, algunas veces entintando los dibujos de Curt Swan. Al mismo tiempo, sin embargo, Superman era por lejos el mas popular del par. Las historias eran orientadas hacia lo espectacular, con tramas muy similares a la de los títulos de Superman, pero ajustadas para utilizar a Batman como parte del elenco. En el 90, por ejemplo, Batwoman toma el papel de Lois de adquirir superpoderes por solo una historia. Las historias del equipo entre el 71 al 116 están disponibles en tres tomos de World's Finest Archives.


En las tiras de complemento, Green Arrow aún pisaba fuerte, dibujado mayormente por George Papp, pero entre los números 96 y 99 se encargó Jack Kirby, con Lee Elias luego de eso. Tommy Tomorrow reemplazó a Tomahawk en el 102, y no podían pedir un mayor contraste que una tira histórica cediendo el paso a historias de policías intergalácticos del futuro en pantalones púrpuras y botas amarillas. Fue una tira atractiva, ilustrada por Jim Mooney, que progresaría a liderar la tira, alternando con Dick Sprang. Bellamente ilustrado por Nick Cardy por dos números, y luego Ramona Fradon, en el 125 Aquaman reemplazaría a Tommy Tomorrow, y saldría hasta el 139. En esos números, World's Finest presentaría a cuatro de los cinco superhéroes de la DC en sobrevivir desde su introducción en los años '40. La excepción sería Wonder Woman.


Hubo un cambio drástico a partir del 141, cuando Mort Weisinger pasó a ser el editor, plantando a World's Finest firmemente en el universo de Superman. Había una gran inclinación hacia las historias en este punto, algunas incluso mejores que aquellas que aparecían en los títulos de Superman o Batman, a pesar de que elementos de ambos eran utilizados aquí. Jim Shooter escribió alguno de los mejores y su pico llegó en el 164, en el cual el maligno androide Brainiac crea una computadora para combatir al mejor equipo del mundo. Weisinger introdujo las historias "imaginarias" ya familiares para los lectores de Superman, contando relatos inconsistentes con la continuidad establecida. Un ejemplo de esto es el número 154 con los hijos de Superman y Batman, quienes hicieron su retorno en el 157. Esos hijos eran niños, a diferencia de las historias de los años '70 donde los hijos eran adolescentes. Una agradable variación del tema regular vino con el equipo formado en el 169 por Supergirl y Batgirl, complotadas en usurpar las identidades de sus contrapartes masculinas. La mejor de las historias imaginarias es la del 172, proponiendo que Bruce Wayne fue adoptado por los Kent, causando que Superman y Batman fueran hermanos.


Perdiendo ventas frente a Marvel, en 1968 la DC readaptó sus títulos para competir. Hay una tapa de Neal Adams en el 174, y él dibujó las historias de los siguientes dos números. Mientras su arte era adorable, su pseudo-realismo no encajaban con las historias. El arte del par subvalorado Ross Andru y Mike Esposito a partir del 180, con guiones de Cary Bates, cuya fuerza eran los guiones ingeniosos, Robert Kanigher y Bob Haney. Para 1970 el título cayó a sobrevivir gracias a su nombre, y para el 198 una drástica cirugía llegó, cuando Batman fue desalojado, dando a Superman la oportunidad de formar equipo con otros personajes. Denny O'Neil comenzó con una carrera entre Superman y Flash, con arte regularmento por Dick Dillin y Joe Giella. Los equipos de Superman siguieron hasta el 214, con el argumento del 210 de Elliot Maggin tomando una trama visto por última vez en Green Lantern en la cual un Green Arrow preocupado por la sociedad se presentaba como candidato a Alcalde. Lo mejor de los por lo general argumentos decentes, es el regreso en el 212 de Martian Manhunter. Cuando lo vimos por última vez en Justice League of America 71, él había dejado la Tierra para localizar a otros sobrevivientes de su raza, y esta historia continuó. Los números entre el 207 al 212 contenían cuarenta y ocho páginas, proveyendo complementos de los años '40, siendo el mejor un Black Pirate de Sheldon Moldoff en el 210.

Batman volvió en el 215, aunque solo por aproximación como uno de los inexplicablemente populares adolescentes Super-Sons, bajo guiones de Bab Harney. Siempre con una buena trama, y poniendo mucho en sus historias, estos no fueron sus mas apacionantes trabajos, y no mejoró cuando el Batman real regresó en el 220. Del 223 al 228 contenían cada uno cien páginas, con las tiras reimpresas compensando bastante las pesadas historias principales. Los Super Sons aparecieron cada tanto cuando las revistas regresaron a su tamaño normal.


Es irónico notar que eventualmente World's Finest volvió a la vida cuando regresó a su premisa de revista de gran tamaño con una selección de nuevas historias. Desde el 244, Green Arrow, Black Canary, Martian Manhunter y Wonder Woman tuvieron su tira propia luego de la del equipo de Superman y Batman. Lo mejor de las primeras fue el Vigilante ilustrado por Gray Morrow entre el 244 y 248, a pesar de que la Black Canary dibujada por Sal Amendola en el 247 lució muy bien. Steve Diko regresó con su creación The Creeper entre el 249 y 255, y la tira de Captain Marvel de E. Nelson Bridwell y Don Newton modernizó al héroe clásico sin destrozar el sentimiento inoncente del personaje entre el 253 y 282. El 283 marca el regreso a las veinticuatro páginas, a pesar de mantener una historia de complemento, un Green Arrow bien dibujado por Gil Kane. A pesar de los todos los cambios, las historias del equipo de Superman y Batman permanecían poco inspirados. Una historia larga en el 300, dibujada por George Perez y con la Justice League, Outsiders y Teen Titans como invitados, solo revivió temporalmente un título moribundo. El guionista Joey Cavalieri instituyó una mejora en calidad a medida que World's Finest llegaba a su defunción, pero nada de notar.


¿Llenó la revista alguna vez las espectativas de su nombre? Honestamente, no. Hubo argumentos decentes, pero muy poco que pueda ser calificado por arriba de aceptable, siendo las mejores las historias de mitad de los '60. Cuando World's Finest dejó de existir para hacer camino al nuevo Superman, no se llevó luto.


La miniserie de 1990 tiene a Dave Gibbons entregando una trama que combina a los grupos de personajes, ciudades y villanos de Superman y Batman, contrastándolos y jugando con cada uno de ellos. Lex Luthor viaja a Ciudad Gótica por negocios, y Joker decide tomar vacaciones en Metropolis, cada uno muy bien personificado. Hay un lindo toque en el que todos los hombres de confianza de Luthor sean calvos, y Joker es mas maniático que loco: los intercambios entre los dos hacen una buena lectura. Los diseños de las ciudades por Steve Rude son excelentes, y también captura muy bien a Superman y Batman, con un original empleo de este último. Las suaves tintas de Karl Kesel y los colores de Steve Oliff contribuyen considerablemente bien. Tomó bastante tiempo, pero finalmente esta serie es fiel a su título.


En 1994 Wall Simonson incluyó elementos supernaturales, con los sueños y pesadillas de Superman y Batman mezclandose con consecuencias mortales. Superman se transforma en un ser mucho mas brutal, y Batman comienza a cuestionar su cordura luego de soñar constantemente con la destrucción de Krypton. Es bien llevado y esplendorosamente ilustrado por Dan Brereton.


World's Finest Three reune a Superboy y Robin, cuando ambos se enfrentan a Metallo, ahora capaz de tomar cualquier forma robotica, y la sexi Poison Ivy, capaz de controlar a cualquier hombre al que bese. En esta historia ella quiere la ayuda de Superboy para transformar a Hawai en un Jardín del Eden. Las habilidades de Metallo son imaginativamente empleadas, y la historia tiene buenos diálogos por Chuck Dixxon y Karl Kesel en una buena historia llena de acción, y muy bien ilustrado por Tom Grummet y Scott Hanna.


La serie de los años '90 presenta diez encuentros entre Batman y Superman, uno por número. Ellos se encuentran anualmente en determinado día para refleccionar sobre una muerte que aparentemente causaron inadvertidamente. Cada número trata de capturar la atmosfera de lo relevante de ese año con invitados como Batgirl en el 5 y Catwoman en el 8. Está bien escrita por Karl Kesel, particularmente por su forma de tratar los diferentes estilos de ambos héroes. Ellos no son un equipo obvio, pero Kesel explica por qué ellos trabajn bien juntos. Junto a un arte claro y una buena narrativa, en mayor parte por Dave Taylor y Robert Campanella, esta es una serie que vale la pena leer.


El título fue revivido nuevamente hacia el final del 2001, presentando las consecuencias de Our Worlds at War. Es un acontecimiento solemne, destacando a los héroes caídos, y bien manejado por una multitud de creadores.

Recomendados: 162, 164, 169, 172, 212, miniserie (1990) 1 a 3

WONDER WOMAN

Primera serie
All-American Publications
22 de junio de 1942 a 28 de noviembre de 1985
329 números, 1 Espectacular

Segunda Serie
DC Comics
6 de noviembre de 1986 a 22 de febrero de 2006
228 números (incluyendo número 0 y 1.000.000),
8 anuales, 3 Secret Files, 1 especial

Tercera Serie
DC Comics
7 de junio de 2006 al presente


A fines de los años 30, William Moulton Marston, psicólogo e inventor del polígrafo, estaba preocupado acerca del medio de las historietas infantiles. Él deploraba la violencia, el énfasis en la actividad criminal, pero principalmente "la aterradora masculinidad", donde las mujeres, si estaban presentes, eran decorativas, o trofeos por las que luchaban los hombres. Marston era un psicólogo popular con muchos lectores que lo seguían en numerosos artículos para revistas de alcance nacional. Los ejecutivos de la DC cínica, pero acertadamente, razonaron que la crítica de Marston podía ser dejada a un lado si era invitado a unirse al "Departamento de Consejo" de psicólogos y educadores que normalmente supervisaban las publicaciones de la DC. Desde su posición, Marston instó a crear una serie en la que encapsularía su punto de vista con respecto a la relación entre sexos, ofreciendo un contrapunto a los a menudo brutales héroes de las historietas de los años formativos. Junto al artista Harry G. Peter, un ilustrador que solía trabajar en sofisticadas revistas de humor, Marston creó a Wonder Woman, que debutó en el número 8 de All-Star Comics.


En la isla escondida de las legendarias amazonas, la Princesa Diana y su amiga Mala ven un avión estrellarse. El piloto, cerca de la muerte, es velozmente curado por la ciencia amazona. Esto presentaba a la madre de Diana, la Reina Hippolyta, un dilema. Las diosas de la antigua Grecia a las cuales las Amazonas aún adoraban, le ordenaron enviar a la campeona Amazona al beligerante mundo de los hombres, a luchar por la libertad. La ganadora de una competencia determinaría que amazona acompañaría al piloto Steve Trevor de regreso a los Estados Unidos. Hippolyta sabe que la amazona campeona será Diana y teme que esta haya quedado enamorada de Trevor. ¿Permitirá ella que Diana gane y deje así Isla Paraiso? Bueno, esta sería un repaso bastante corto si no lo hubiera permitido. Diana gana, le es otorgado un uniforme con las estrellas y águila de su nueva nación, y vuela hacia los Estados Unidos de Norte-América como Wonder Woman. Desde su estreno en All-Star Comics, a la historia principal en Sensation Comics, su propio título, historias en Comic Cavalcade, y de regreso a All-Star, y su membrecía en la Justice Society of America, solo un año después de su debut, Wonder Woman es uno de los mas populares y reconocibles personajes en las historietas. Quizás una de las razones para esto es que, contrastando con los jóvenes en que consistían la mayoría de los trabajadores en las historietas, Marston (operando bajo el pseudónimo de Charles Moulton) y Peter eran ambos hombres maduros cuando comenzaron a trabajar con Wonder Woman, dando a la serie una seriedad y autoridad de la que sus contemporaneos a menudo carecían. Además, el particularidad estilo de Peter le daba una apariencia distinta a lo que había en oferta, una invalorable ventaja para mediados de los años '40 con cientos de revistas de historietas en el mercado. Bajo su guía, la increible amazona luchó contra algunos de los mas bizarros villanos en la historias de las historietas: el misógino Dr. Psycho, la esquizofrénica Cheeta, Zara, sacerdotisa de la llama púrpura, Dr. Poison e Hypnota. También estaban Duke of Deception, peón de Marte, el dios de la guerra, la psicótica Mask (que en realidad era una abusada esposa oprimida al límite), y Villainy Inc., la primer alianza de villanas fameninas en las historietas, con varias de las mas notables enemigas de las amazonas unidas para destruirla.


Muchos críticos e historiadores de las historietas fueron severamente despectivos con Wonder Woman. Ella ha sido acusada de alentar al lesbianismo y las prácticas sadomasoquistas, y de apelar a fantasías masculinas de dominación sexual. El último cargo puede tener alguna validez. Los propios comentarios de Marston, en respuesta a la poca popularidad de las heroínas en las historietas, es que si a los hombres, "les dan una atractiva y poderosa mujer para someterlos... se convertirán en sus deseosos esclavos", estan ciertamente abiertos a la interpretación. El cargado lenguaje así como el credo de las amazonas de "Sumisión a la Afectuosa Autoridad" ha sido presa de por sus detractores, pero la sumisión en cuestión está relacionada con la rehabilitación. A diferencia de muchos héroes de ese momento, quienes estaban complacidos de aprisionar o incluso matar a sus oponentes, Wonder Woman hacía agotadores y a veces exitosos esfuerzos para reformar a sus enemigos. Paula Von Gunther, una implacable enemiga en 1942, pasó a ser una de las mas cercanas amigas y aliadas de Diana, y en los primeros años de la tira de periódicos otras mujeres fueron mostradas apartándose del crimen o la delincuencia gracias a la intervención de Diana y sus hermanas amazonas. La solidaridad femenina de las historias es un vínculo de fortalecimiento y soporte mutuo, no de atracción sexual.


Lejos del frío e inalcanzable Superman, Wonder Woman es firme en muchas ocasiones en que cualquier mujer puede lograr un poder tal como el suyo propio si logra vencer las cadenas mentales puestas en ella por el mundo masculino. Ejemplos de sus diálogos a otras mujeres de mediados de los años '40 incluyeron: "Sálvense Uds. mismas. Yo solo les muestro que pueden", "Todo lo que tienen que hacer es tener confianza en su propia fuerza", "¡Vuélvanse fuertes Uds. mismas! ¡No dependan del hombre - gánense su propia vida!"; y, de parte de una mujer que fue traicionada por su amor, "Aprendí mi lección: ¡Confiaré en mi misma, no en un hombre!". Contrariamente a lo que muchos críticos creen, las historias de Wonder Woman no se centran en el odio hacia el hombre, sinó en la correcta indignación hacia los bravucones y abusadores de toda especie. Es verdad, a ella se la muestra diciendo que el amor romántico es a menudo (no siempre) es un truco que los hombres usan para que las mujeres abandonen su independencia, y que el matrimonio es a menudo (no siempre) una trampa mental para las mujeres, pero ante el verdadero amor entre semejantes ella es la primera en dar sus bendiciones.

Y si, Wonder Woman ataba muchas veces a la gente; esto es así porque su arma principal era un lazo mágico, el cual usaba para contener a sus desafortunados prisioneros, lo opuesto a los puñetazos limpios. Comprendan amigos. La gente no se queja del número de veces en que Robin, el chico maravilla, coloca sus pequeñas manos sobre Batman. No, esos temas sociopolíticos o suposiciones era todo lo que Wonder Woman tenía por ofrecer. Arraigado en la mitología y la magia mas que en la pseudo-ciencia de la mayoría de los super-héroes, ella ponía orden en aventuras contemporáneas, históricas o de extraterrestres, presentando ricas y deslumbrantes historias a sus lectores. Si estas eran algo erráticas a veces (como cuando ella viaja atrás en el tiempo para ayudar a Boadicea a derrotar a los romanos y echarlos de Gran Bretaña), estas eran mucho mas divertidas de esa forma.


Marston muere en 1947, sin embargo el estaba tan adelantado que sus guiones siguieron siendo publicados por al menos dos años. Sin su aporte, Wonder Woman comenzó a caer. El fortalecimiento de la cultura comenzó a desvanecerse, los villanos, con excepción del flojo Angle Man y un suave Duke of Deception, fueron desapareciendo, y ella se volvió solo otra aventurera. Incluso el arte de Peter de los años '50 se alteró en su acento, pareciendo desordenado y desprolijo. Cuando él murió en 1958, un cambio de apariencia radical fue introducido en el número 98, cortecía de Ross Andru y Mike Esposito, quienes le dieron a Wonder Woman una diestra apariencia europea con un pelo salvaje y desordenado. Desafortunadamente la DC decidió que Wonder Woman se veía muy "suelta", y su apariencia con permanente regresó en el 110. Bajo la guía del guionista y editor Robert Kanigher, los poderes de Wonder Woman se revelaron ser una ofrenda de los dioses, haciendo de ella en efecto una super-amazona. "Wonder -Girl" y "Wonder-Tot" tuvieron historias en retrospectiva, mostrándonos que incluso a una temprana edad Diana fue capaz de proezas que sus hermanas no tenían esperanzas de igualar, dejando el concepto de que cualquier mujer tenía el potencial de ser una Wonder Woman perdido en el tiempo. Así como sus poderes se expandieron, sus aspiraciones se estrecharon, se hicieron mas domésticas. Ella soñaba despierta con casarse con Steve Trevor, pero esas fantasías inevitablemente se perdían, usualmente porque su educación amazónica no cubría el arte culinario o el cuidado de la casa. Las cosas fueron de mal a peor. Wonder Girl y Wonder Tot comenzaron a tener historias contemporáneas, primero como "Relatos Imposibles" narrados por Hippolyta (quién ya tenía pelo rubio y comenzó a llamarse a si misma Wonder Queen, intentando sumarse a los actos de su hija), y entonces sin explicación de cómo esos personajes podían existir junto a Wonder Woman, fueron conocidas como la sociedad Amazona. La revista comenzó a peder lectores, pero debido a su larga historia, y su involucración con la Justice League of America, hubiera sido embarazoso cancelarlo. Un tonto intento de restaurarla a su gloria de los años '40 fue iniciado en el 159, pero resultaron ser una parodia de los viejos relatos.


Un cambio mas radical ocurrió en el 178, donde, bajo el nuevo equipo de Denny O'Neil, Mike Sekowsky y Dick Giordano, Diana renunciaba a su trabajo en inteligencia militar, dejaba de lado su apariencia de Clark Kent y salía encubiertamente a buscar a Steve Trevor cuando su alter ego amazónico no podía. En el siguiente número sus hermanas amazonas se retiraban a otra dimensión a recargar sus energías mágicas. Dejada atrás ya que ella no podía abandonar a Steve Trevor, Wonder Woman fue de pronto despojada de todos sus poderes y armas de amazona, y forzada a enfrentar al mundo como mortal y frágil humana. Varias críticas femeninas, incluyendo a Gloria Steinem, examinaban esas historias como una negación de la liberada Wonder Woman tratando a esas aventuras como las de una "James Bond femenina, pero incluso mas aburridas ya que ella negaba su libertad sexual".


Estas críticas no tenían en cuenta un par de puntos importantes. Primero de todo, la verdadera Wonder Woman, que insistía en que cualquier mujer podía lograr lo que ella y que creía que incluso sus enemigos podían rehabilitarse, ya no era publicada desde hace años a este punto. Las historias tontas y con poca consistencia de una atolondrada amazona cuyos poderes eran un regalo de bautismo de los dioses fue la verdadera violación, y era la realidad desde hacía tiempo. Segundo, la Wonder Woman no poderosa era un símbolo de fortalecimiento y autodeterminación. Ella era una mujer de enorme poder y fortuna a la que le fue quitado todo en un momento y, sin estar preparada ni entrenada, se reinventó a si misma y se hizo cargo de su vida nuevamente. Okay, ella tenía ayuda de sus amigos (incluyendo, si, un mas bien vergonzoso mentor oriental ciego que diestramente le enseño las artes de la autodefensa), pero así y todo ella tenía que hacer el trabajo. Y esto era una carga de trabajo. Tambaleando a partir de las pérdidas en su vida, ella se puso al corriente de las maquinaciones de Dr Cyber, quién asesinaba a gente cercana a ella. En una rápida sucesión, Diana y sus aliados enfrentaron a un cartel del crimen internacional; sádicos urbanos quienes cazaban fugitivos; a Marte el Dios de la guerra, quién siguió a las amazonas a su escondite dimensional; y mas.


Luego de la asistencia inicial de Denny O'Neil, el artista Mike Sekowsk escribió las historias, hábilmente alternando historias de espionaje, supernaturales y de vida, y estableciendo a Diana como un personaje lleno de vida con un insospechado sentido de la ironía. Las ilustraciones eran elegantes y el fascinante método de Sekowsky daban una sensación de movimiento incluso a las escenas de diálogo, y las tintas de Giordano cerraban el paquete con una diestra sofisticación. Esas historias puede que no sean de la Wonder Woman "real" para los puristas, pero estaban mucho mas cercanas al concepto original de lo que mucha gente reconoce. Lamentablemente, problemas de salud hicieron que el editor y guionista Sekowsky se atrasara bastante. Hubo números de relleno reimprimiendo material de apenas dos años de antiguedad, y alguno de los últimos números de Sekowsky estuvieron poco inspirados. Para el número 199 la serie volvió a manos de O'Neil, quién intentó regresar a Diana a una tonalidad de Modesty Blaise. Esos números no carecían de mérito, aún con el notorio "número de liberación femenina" (el 203), en el cual a pesar de estar justificada tapa con la chica en estado de sumisión, tuvo cierto contenido inteligente por dentro.


A comienzos de los años '70, Diana fue una opción para una película para TV, así que ella debía volver al traje de barras y estrellas, pero algo a las apresuradas. Steve Trevor estaba vivo de nuevo; no, en verdad no lo estaba, fue una ilusión de las científicas amazonas; si, el lo estaba... oh, él estaba muerto de nuevo; ahora volvió. Wonder Woman tenía que ser testeada por la JLA para probar que ella estaba lista para unirse nuevamente. Ella es un miembro echa y derecha; ella está a prueba; Ahora volvió. Wonder Woman tiene una hermana negra llamada Nubia; no, ella no la tiene, nunca existió. Por los siguientes ochenta números, los equipos creativos cambian mas rápido que lo que mucha gente cambia su ropa interior, apenas estableciendo algún parámetro antes de que el siguiente equipo, igualmente mediocre, alterara todo de nuevo. La serie de TV protagonizada por Linda Carter fue la única razón por la que la revista haya sobrevivido por varios años. Y por un par de años, el título se enfocó en aventuras de la Segunda Guerra Mundial para estar parejo con esta, y la Wonder Woman contemporánea no fue usada en su propia revista. A partir del 288, la oportunidad de un relanzamiento tuvo efecto. Roy Thomas y Gene Colan comenzaron bien, pero rápidamente perdieron interés, y hubo pocas mejoras.


Luego del número 300, el cual tuvo una semi-inteligente historia acerca de las diferentes percepciones de la amazona con varios artistas interesantes, Wonder Woman cayó en manos de los guionistas Dad Mishkin y Gary Cohn, y el artista Don Heck. Todas las partes, inexplicablemente, produjeron un trabajo decente, Heck en particular habiendose despojado de su carga de los años '70 para producir su arte mas agradable en veinte años. Trágicamente era demasiado tarde para ayudar: el destino de Wonder Woman estaba sellado, y el cruce con Crisis on Infinite Earths terminó con la vieja Wonder Woman para dar paso a la nueva. En el último número de la serie, con mucho placer Diana se casa con Steve Trevor (hábilmente vivo a esa altura) antes de encontrar su destino final. Podría argumentarse que el título debió cancelarse largo tiempo atrás, pero para aquellos con el recuerdo de su mejor hora, es difícil leer las últimas páginas sin congoja.

Siguiendo a Crisis on Infinite Earths, se declaró retroactivamente que la carrera de Wonder Woman "nunca existió" y ella fue reintroducida como un nuevo personaje, comenzando desde el número 1. El nuevo guionista Greg Potter formó equipo con el artista y super-estrella George Perez, aunque el nombre de Potter desapareció de los créditos y de la revista, luego del 3, dejando a Perez ilustrando y escribiendo, con Len Wein ayudandolo con el libreto hasta el número 16, luego de lo cual Perez tuvo vuelo propio. La nueva encarnación de Wonder Woman, como la vieja, era la hija de la Reina Hippolyta de las Amazonas, esculpida en barro a la que le fue concebida la vida por las diosas. Cuando el piloto Steve Trevor de los Estados Unidos se estrella en la Isla Paraiso, ahora llamada Themyscira, dándole un mayor énfasis al entorno griego de la princesa Diana, él es nuevamente llevado de regreso por la campeona amazona, quién pasará a ser una heroína en los Estados Unidos. Este Stever Trevor es mucho mayor y pasa a ser amigo y aliado de Diana mas que un insípido interés romántico. Además, la nueva versión es mas cercana a la filosofía original de su predecesora. Una vez mas es la primera entre sus pares, y ella se esfuerza en entregar un mensaje de paz y abnegación, aunque el mundo del hombre es como es, y ella a menudo tiene que patear algunas cabezas para hacerlo. instalada en Boston, ella forma un círculo de amigos: Julia Kapatelis, Profesora de Arqueología en la Universidad de Harvard y su hija Vanessa; Etta Candy, en la serie original tratada como un desahogo cómico pero aquí con un rol digno e involucrada románticamente con Steve Trevor; Ed Indelicato del Departamento de Policía de Boston, quién puede o no estar enamorado de nuestra heroína; y Myndi Mayer, una glamorosa publicista quién se aferra a Diana, y quien la nombre "Wonder Woman" como su boleto a la fama. Mucho mas importante, a Wonder Woman le son dadas historias inteligentes y bien producidas con muchos personajes interesantes que están alrededor mas que solo de relleno o ser los secuestrados a rescatar del mes. Esas historias llevan un paso mas lento que en muchos historietas y, particularmente en los primeros números, una grandeza y sentido épico, colocando a los personajes en un entorno mitológico. Y el arte de Perez, suntuoso y detallado, nunca fue tan elegante.


Forzada al rol de superheroína por las maquinaciones de Myndi Meyer, algo para lo cual ella no estaba preparada an absoluto, Diana se enfrenta a algunas amenazas clásicas, incluyendo a Marte (ahora Ares), Cheetah y la trágica Silver Swan. Todo el tiempo ella está tratando de entender su misión en este extraño nuevo mundo, a sus nuevos amigos humanos, y su relación con sus dioses, varios de ellos, en particular el emprendedor Hermes, transformándose en importantes personajes secundarios. Un punto alto fue el número 20, con la muerte de un personaje importante, y el impacto de su fallecimiento en el resto del elenco, siendo sutil y conmovedoramente retratado. A partir del número 25, dificultades financieras ("se vendía mejor que cualquier otra versión de Wonder Woman lo hizo por años, pero aún así no era lo suficiente como para hacer suficiente ganancia") forzó a Perez a retirarse del dibujo, y el nuevo artista Chris Marrinan lo proveyó inapropiadamente. Un arte turbio e historias menos imaginativas, ya que Perez dedicaba mas tiempo a otros proyectos, hizo decaer a Wonder Woman. Mindy Newell pasó a ser co-guionista a partir del 36, pero con poco impacto. Se intentó con diferentes artistas: Colleen Doran, Jill Thompson y Cindy Martin, todos en los mas extraños números. El número 46 trae un poderoso y movilizador relato sobre un suicidio adolescente y sus repercusiones, fue el último número de Mindy Newell y el primer número completo de Jill Thompson, presentando el el trabajo mas fuerte hecho en la serie. El 50 incluye contribuciones de Chris Bachalo, Brian Bolland, Adam Hughes, Kevin Nowlan, P. Craig Russell y Marie Severin, entre otros, luego de lo cual la versión descolorida de Wonder Woman por parte de Thompson fue vista en muchos números hasta el 65.


Perez se fue luego del 62, pasando a Diana a las manos de Bill Messner-Loebs, quién prontamente la envió al espacio profundo entre los números 65 al 71, lo cual fue divagante y no sirvió para ningún propósito. A pesar de las encantadoras ilustraciones de tapa de Brian Bolland entre el 63 y el 100, esos números son descartables. Cuando Diana regresó a la Tierra, Loebs hace un coherente y concienzudo intento por reintroducir las historias dirigidas al personaje. Nuevos personajes secundarios fueron presentados, y con el artista Lee Moder (a partir del 72) las cosas prometían. Desafortunadamente, a partir del 90, Mike Deodato se hizo cargo del arte, y todo fue horriblemente mal. De pronto, Diana medía tres metros, tenía quince centímetros de cintura y un amplio busto. Y ahí estaba la Reina Hippolyta, con su túnica real reemplazada por tres (pequeños) pañuelos y una collar de perlas. Y desaparecieron tanto la cincuentona Julia Kapatelis como su quinceañera hija. Llegó un nuevo personaje secundario, una amazona rival llamada Artemis, quién peleó contra Diana por el derecho a ser Wonder Woman. ¿Adivinan qué apariencia tenía? Sep. Deonato simplemente no sabía dibujar otro tipo de físico. Las historias caían en este punto, ya sea porque Loebs veía el arte y decía "Oh mi Diós" y se dió por vencido, o, mas tristemente, que todas sus tramas y personificaciones fue extirpada editorialmente en favor de tiros cortos y tontos. Las ventas se dispararon y Wonder Woman fue de repente un gran éxito en el mercado adolescente.


Por suerte fue un fenómeno momentaneo, y a partir del 101, John Byrne tomó los guiones y arte. Desafortunadamente, a pesar de ser superiores esos números a los que los precedieron (¿qué no lo hubiera sido?), su trabajo con la Princesa de Isla Paraiso fue el de una supermujer genérica, despojándola de lo que la hacía distintiva y única. Durante su segundo año en el título, Byrne llegó con algunas ideas intrigantes, la mas notable un viaje temporal con "implante en la continuidad". Esto incluía la temporal ascensión de Diana al Olimpo como la Diosa de la Verdad, e Hippolyta reemplazándola como Wonder Woman por un tiempo (a partir del 128) involucrando una larga jornada en los años '40, brindando de esta forma una Wonder Woman propia a la Justice Society of America. El 113 vio el debut de la nueva Wonder Girl, un personaje bonito que se desarrolló, especialmente como miembro de la Young Justice. A partir del 139 ni el guionista Eric Luke ni el artista Yanick Paquette produjeron un trabajo interesante, y lo mas interesante fue generado por Adam Hughes que se transformó en el artista de tapa regular. Él hizo gloriosas escenas que, a pesar de los trajes abreviados y poses de chica atractiva tonta que le daba a Diana, logró disparar las ventas.


A partir del 164, Phil Jimenez comenzó su carrera como artista y dibujante, y comenzó de manera prometedora con la historia "Gods of Gotham" entre el 164 al 171, la cual tenía emoción, tensión, personificaciones, además de un detallado y complejo arte. Quizás el involucrar a cada uno de los miembros del reparto de Batman y Wonder Woman fue demasiado, pero hay que darle crédito por el esfuerzo. Hughes permanece como artista de tapa, y la carrera de Jimenez fué de sólidas y meticulosamente artesanales historias, lo que levantó la serie considerablemente. Lo peor que se puede decir acerca de su trabajo es que fue demasiado reverente hacia la historia del personaje, pero luego de años en los cuales ella no tuvo respeto, eso no es nada malo.


Recomendados:
Primera serie: 1 al 6, 10, 11, 21, 24, 28, 178 al 190, 192, 193.
Segunda serie: 1 al 23, 46, 164 173, 176, 177, 181 al 188, Annual 2.

SUPERBOY
All-American Publications (Luego DC Comics)

Primera serie :
8 de enero de 1949 a 19 de abril de 1973
196 números, 1 especial



Superboy apareció por primera vez en More Fun Comics 101 en 1945, y las aventuras de Superman como jovencito fueron populares en varios títulos luego de eso. Las historias estaban ubicadas en Smallville, en algún lugar de Kansas, y otros personajes fueron Mamá y Papá Kent, quienes encontraron el cohete que contenía a Superman de bebé. El número 10 nos presenta a la novia de la juventud de Superboy, Lana Lang quién, como una versión juvenil de Lois Lane, siempre estaba intentando descubrir la identidad de Superboy, convencida de que él era Clark Kent. El fisgoneo fue el catalizador de varias historias. Del 1 al 16 fueron números de 52 páginas, pero aún cuando las revistas se contrajeron a 32 páginas, aún proveían elaborados relatos de 8 páginas de longitud con prioridad en la trama mas que en las personificaciones y la continuidad, exactamente lo contrario al material de hoy en día. Había también cierta inocencia en las tapas, como las del 55 y 75 presentando una paliza.


Superboy 5 presentaba un personaje llamado Supergirl, pero no hay que confundirse con su prima, presentada mas tarde en los años '50, y ofrecía la primera historia de Superbaby. Con Mort Waisinger editando los títulos, la imaginación era suprema. El número 68 proveyó el origen y primera aparición de Bizarro, un duplicado imperfecto de Superboy. El poco bien recordado Beppo, el Super Mono, arribó en el 76, mientras que el 78 presentaba el origen del duende de la quinta dimensión, Mr Mxyzptlk. Y el 80 tenía a Superboy encontrándose con su prima Supergirl por primera vez.


El 104 tenía el origen de la Zona Fantasma, la extraña dimensión donde los villanos kryptonianos eran encerrados. En el 124 Lana Lang rescata a un pasajero extraterrestre, y este en gratitud le entrega a ella un anillo con el que podía cambiar de forma a la de cualquier insecto que deseara, transformándose así en Insect Queen, un rol que ella desafortunadamente no asumía muy seguido. Hubiera sido un reto para ella usar periódicamente el super-poder. La Legion of Super-heroes también aparecía, y en el número 86 aparecería el compañero de escuela Pete Ross, quién en el número 90 descubriría la identidad secreta de Superboy, pero lo mantendría en secreto. El 89 fue la primera aparición de Mon-El, que originalmente se pensó que era el hermano mayor perdido de Superboy. Similar a Superboy en todo menos en su traje, el pasaría a formar parte regular del reparto de la Legion of Super-Heroes, y llegaría a tener su propio título como Valor en los años '90. En el 98 debutó otro miembro de la Legion, Ultra-Boy, y en el mismo número Pete Ross es aceptado como miembro honorario. Naturalmente, Insect Queen también sería aceptada pronto.


Durante los años '50, George Papp, Curt Swan y (primordialmente) John Sikela fueron los principales dibujantes, con estilos agradables y abiertos. La carencia de créditos hace que la identificación de autores sea mas difícil, pero Otto Binder fue el sostén principal, escribiendo la primer historia de Bizarro. A medida que pasaban los años aprendíamos mas sobre Krypton. Superboy comenzó como el único sobreviviente del planeta, pero cada vez mas kryptonianos llegaban, haciendo de Smallville un puerto espacial no oficial. Variados artefactos kryptonianos también proveían argumentos. Y estaba Krypto, el Super-Perro. Él se encontraba en un cohéte de pruebas utilizado por Jor-El antes de enviar a su hijo, y tenía los mismos poderes que su amo y, por suerte, una extraña especie de inteligencia para ser un perro. No podía hablar, pero sus pensamientos eran distinguidamente humanos a veces. Incluso se unió a una especie de versión de la Legion of Super-Heroes en el número 131, Space Canine Patrol Agents, un grupo super poderoso de perros en el espacio. Este incluía a Chameleon Collie, Tail Terrier, que tenía una cola elástica, Tusky Husky, quién podía transformar uno de sus dientes en un largo colmillo para perforar cosas, y quién podría olvidar a Hot Dog, quién podía calentarse a si mismo como un horno. Los principales artistas durante el comienzo de los '60 fueron George Papp, Al Plastino y el grandioso Curt Swan. Ninguno era reconocido por su arte dinámico, pero sus estilos eran perfectos para el tono amigable de la serie. El número 147 gigante reimprimía viejas relatos de la Legion of Super-Heroes además de una nueva historia recontando su previamente no relatado origen.


Hacia finales de los años '60 hubo un intento para hacer los títulos de DC mas dramáticos. El recién llegado Neal Adams, con su estilo gráfico realista, pasó a ser el principal artista de tapa, y esto reflejó un leve cambio de atmósfera en el interior también. En el 145 mamá y papá Kent rejuvenecieron veinte años, ahora viéndose mas como los padres de Superboy que como sus abuelos. A partir del 149 Murray Boltinoff pasa a ser el editor, y reemplaza a los artistas de tanto tiempo por el mas dramático estilo de Bob Brown a partir del 150 (además de ser entintado por Wally Wood entre el 152 y 155 y el 157 y 161). Las historias, mientras mantenían su encanto, también prosperaban a través de los guiones de Frank Robbins. Boltinoff utilizaba muchos elementos proveídos por Weisinger, pero no se preocupaba tanto por la continuidad, publicando una historia en el 158 donde Superboy descubre a sus padres kryptonianos en animación suspendida. Este tiende a ser ignorado por los fans de Superman. Lana Lang maduró, Krypto mantenía su intelecto humano, y las historias de Superbaby ya no fueron frecuentes. El número 167 con las tintas de Murphy Anderson en los dibujos de Brown fueron una excelente combinación.

A esta altura, en las regulares veinticuatro páginas de historias se incluyen una historia larga de Superboy y una mas corta de complemento, un lugar que The Legion of Super-Heroes ocupó regularmente desde el 172. Eran historias que no se destacaban pero tuvieron éxito en revivir el interés en el grupo. Las historias de Superboy eran poco memorables, aún con el regreso de Leo Dorfman, uno de los guionistas principales de la era Weisinger, y eran los ocacionales complementos de la Legion de parte de Cary Bates y George Tuska los que llamaban la atención. El 184 presenta al artista Dave Cockrum. Él era asistente de Murphy Anderson, y su estilo fue inicialmente muy claro en el trabajo, y Anderson se unió a su protegido en el 188 y el 190. El talento y estilo de Cockrum transformó a la Legion, actualizandolo en una versión para los años '70 del futuro mas que la versión de los años '50 usado desde su introducción, y con el 193 donde se rediseñaron los trajes, el equipo comenzó a verse mas como si realmente pertenecieran al siglo 30. El 195 presentó a Wildfire, y sin previo aviso el 197 fue titulado Superboy starring the Legion of Super-Heroes, y la Legion casi usurpó la revista de Superboy, haciendolo completamente desde el 259. A pesar de ser imaginativas, hay una calidad repetitiva en el material de Superboy, y a los lectores que buscan un ejemplo del material de los años '40 a mediados de los '60 les conviene buscar los números recopilatorios. Estos son el 129, 138, 147, 156, 165, 174 y el 185 de 100 páginas. El especial de 1980 fue la primer revista de historieta publicada por una gran editorial específicamente para las tiendas de historietas.



Segunda serie (New Adventures of):
22 de octubre de 1979 a 29 de marzo de 1984
54 números


La serie de los '80 intenta emular las divertidas historias de los años '60, el período en el cual se desarrollaba, con guiones de Cary Bates y arte del gran Kurt Schaffenberger. Superboy tenía dieciséis años, con la política de envejecerlo a la par de Superman. Este fue un título extraño por el tono de mirar al pasado y reciclar viejos escenarios cuando en verdad todo llevaba a adelantarse. Fue suficientemente agradable y definitivamente con pretención de llegar a los lectores jóvenes. El complemento de "Dial H For Hero" fue mudado desde Adventure Comics a este título, entre el 28 y el 49 y fue el mas largo de los complementos. Los lectores diseñaban nuevos super-héroes en los cuales los protagonistas se transformaban, siendo guionizados por E. Nelson Bridwell o Bob Rozakis. El equipo creativo de Superboy cambió a Paul Kupperberg y Alex Saviuk a partir del 36, pero el estilo se mantuvo igual. El único número notable fue el 50, presentando una entretenida historia por Kupperberg, con arte de Schaffenberger y secuencias de Keith Giffen, con la Legión of Super-héroes de protagonistas, y un joven y calvo Lex Luthor. Para tener.


Tercera serie:
Superboy, The Comic Book 10 números
Adventures of Superboy 12 números (11 a 22), 1 especial
12 de diciembre de 1989 a 10 de diciembre de 1991


La siguiente revista de Superboy estaba ligada a la serie de TV, y la continuidad no guardaba relación con las historietas regulares. Clark Kent y Lana Lang acudían a la Universidad Shuster (un bonito homenaje a Joe Shuster, el artista creados de Superman) y Superboy recién estaba descubriendo su origen y poderes, y comenzaba su carrera universitaria. Clark ya no es un joven con falta de carácter y Lana no es una acechadora. El guionista John Moore y el artista Jim Mooney (luego Curt Swan) produjeron un producto adecuado, limitado por la continuidad del programa de TV, aunque en el número 5 se presentó a tres personajes del siglo treinta. El especial ata los cabos sueltos.



Cuarta serie:
14 de diciembre de 1993 a 29 de mayo de 2002
100 números, 4 anuales, 2 especiales (Superboy plus...)


La revision en la continuidad en DC había prescindido de Superboy (ya que Clark Kent comenzó su carrera de adulto), por lo que el modelo de los '90 es un clon creado por los geniales científicos del proyecto Cadmus, como un reemplazo de Superman cuando el mundo lo creía muerto. Presentado en Adventures of Superman 501, el simulaba las habilidades de Superman a través de "telequinesis táctil". Superboy estaba establecido en Hawaii sin usar doble identidad, considerándose a si mismo mas una estrella de los medios antes que un super-héroe. El reparto incluía al manager de Superboy y a su hija, y Dubillex, un telépata con apariencia de extraterrestre que también escapó del Proyecto Cadmus. Y además a un pequeño perro llamado Krypto. Superboy era bastante popular con las chicas y le fue dado una apariencia moderna con una campera de cuero oscura. Del número 1 al 30 es mayormente trabajo de Karl Kesel y Tom Grummett, entintado por Doug Hazlewood, y son unos números entretenidos. El número 2 introduce a Knockout, una amazona pelirroja con gran fuerza, y el 8, como parte del crossover Zero Hour, tiene a este Superboy encontrándose a su contrapartida de los años ’60. Fue algo triste que se deshicieran del viejo Superboy de una vez por todas. Los fans de Suicide Squad deberían fijarse en los números 13 a 15, y la historia se repite en los números 18 a 19 con el arribo de Mon-El, ahora llamado Valor. Los números 25 a 30 presentan una historia envolviendo a Knockout y las Female Furies de Apokolips, con la nueva Supergirl apareciendo en el 28. La turbulenta relación entre Knockout y Superboy llega a su punto culminante en el final. Desde el 31, Ron Marz escribe algo mas seriamente, pero el arte mas abstracto de Ramon Demado no le hace bien. El mejor esfuerzo de Marz es entre el 38 y 41 donde a un joven Supes le sale un grano, y otro y otro. Mas allá del acné adolescente, su ADN se está quebrando y la eventual conclusión es que el nunca llegará a Superman.


Kesel y Grummett regresan en el número 50 comenzando una historia basada en Kamandi, el último muchacho sobre la Tierra. Nuestro joven héroe se encuentra en una isla habitada por animales inteligentes. Algunos de ellos tendrán algún rol en futuros números. Superman le otorga un nombre kryptoniano, Kon-El, en el número 59, mientras que entre el 60 y 64 se introduce el concepto de “Hiper-Tiempo” en el Universo DC. Ahora con el proyecto Cadmus como base principal, Kesel y Grummett reintroducen otros elementos de las historias del título Jack Kirby’s Jimmy Olsen, con sus personaje de los años ’40, The Guardian, jugando un papel principal. Ellos se retiran luego del número 79.


Luego de una ligera caida en calidad, los escritores Jimmy Palmiotti y Dan DiDio se encargan a partir del número 94, con el artista John McCrea, ahora haciendo hincapié en el humor. Ellos terminan la serie de buena forma en el número 100. La serie en su totalidad es bastante disfrutable, siendo su mejor anual el de 1995 donde se relata el origen de Superboy.

WALT DISNEY'S COMICS AND STORIES
Dell: 263 números, 1940 a 1962
Gold Key: 210 números (264 al 473) 1962 a 1980
Whitman: 37 números (474 al 510) 1980 a 1984
Gladstone: 37 números (511 al 547) 1986 a 1990
Disney: 38 números (548 al 585) 1990 a 1993
Gladstone: 48 números (586 al 633) 1993 a 1999
Gemstone: (634 en adelante) 2003 -


Una abrumadora, popular e influyente serie que desde sus comienzos promovió la filosofía Disney del sano entretenimiento, mientras producía una de las mejores revistas de relatos en historieta para chicos jamas hecha. También tiene algunos records de longevidad. La primeras publicaciones en tiras diarias de Disney en verdad son anteriores al nacimiento de las revistas de historietas estadounidences. Luego del suceso del Libro de Mickey en 1930, una revista del ratón fue creada a bajo costo. Su popularidad llevó a la Mickey Mouse Magazine (1933), seguida por otra serie de revistas, antes de que una revista regular de Mickey Mouse debutara en el verano de 1935. Los colaboradores incluían a Otto Messmer y John Stanley, y solían presentar adaptaciones de película antes que en el cine, con Blancanieves (Snow White) serializada un mes antes de su estreno en 1937.


En 1938 el suceso de Action Comics y la estrella principal Superman incitaron un gradual cambio de revista a revista de historietas. Los acertijos y presentaciones fueron reemplazados por mas reimpresiones de tiras, particularmente las tiras diarias del Ratón Mickey (Mickey Mouse) producidas por Floyd Gottfredson durante veinte años. La transición a las historietas fue completada en el volumen 5, número 12 (de septiembre de 1940) y al mes siguiente pasó a llamarse Walt Disney's Comics and Stories 1, con la serie Mickey Mouse Meets Robinson Crusoe de Gottfredson que había comenzado en la revista anterior.


El formato de reimpresión de tiras diarias de periódicos continuó hasta el número 31 (abril de 1943) cuando apareció la primera historia creada específicamente para la revista. Fueron 10 páginas del Pato Donald (Donald Duck) por un joven llamado Carl Barks. Él perfeccionó substancialmente la tira que se le había asignado, y se le pidió escribir la siguiente él mismo. Por los siguientes veintitres años Barks fue el principal creador del Pato Donald (alternando mucho con el veterano de la historieta Jack Hannah, cuyo primera tira de Donald apareció en 1937). Donald, y luego el Tío Rico (Uncle Scrooge) y una cantidad de otros personajes fluyeron del lápiz de Barks hacia los corazones de los chicos de todo el mundo. Cuando se retiró en 1966, él ya había escrito mas de quinientas historias (siendo mas de la mitad de Donald) las cuales fueron reimpresas continuamente hasta la cancelación de la revista en 1999. Las historias que escribió sobreviven en tomos recopilatorios publicados por la editorial Gladstone.


Barks se unió originalmente a Disney como animador, y su tacto para las bromas y su gran habilidad para una narrativa fluida hicieron su trabajo instantaneamente reconocible en una era en la que no se daban los los créditos. Cada chico conocía el trabajo de "el buen artista del pato", aún si ellos no sabían su nombre. Él produjo unas diez nuevas páginas de historietas para la mayoría de las revistas entre los números 31 y 297, y luego entre el 308 y 312, y muchas son piezas clave. Barks creó a Narciso Bello (Gladstone Gander) en el número 88, y el Tío Rico originalmente apareció como un personaje menor en su historia para el Donald Duck Christmas Special de 1947, con su primer aparición en el número 98. Los tres sobrinos (Junior Woodchucks) en el 125, fueron seguidos por los Chicos Malos (Beagle Boys) en el 134 y Giro Sintornillos (Gyro Gearloose) en el 141. Pero Barks no era la única estrella de la revista. Walt Kelly produjo muchas tiras, comenzando con "The Gremlins" (entre el 34 y 41, basado en una propaganda animada en tiempos de guerra), y fue el principal artista de tapa a partir del 40. El contribuyó en la mayoría hasta el 118, cuando la presión de producir su propia tira de periódico, Pogo, lo forzó a renunciar. La primer tapa de Barks fue la 95, y él fue el artista regular de tapa a partir del 129. Las reimpresiones de Floyd Gottfredson se fueron redujendo a fines de los años 40, a medida que los personajes en la pantalla comenzaron a alterarse y no aparecieron en sus tiras originales. Relatos clásicos fueron redibujados por una nueva camada de artistas, muchos de los cuales habían trabajado en las tiras periódicas de Disney. Dick Moores luego dibujaría "Gasoline Alley", y produciría la página dominical de "Unde Remus" a partir de 1946. "The Phantom Blot" redibujado por él comenzaría su serialización a partir del 107, mientras el asistente de Gollfiedson, Bill Wright redibujaría "Monarch of Medioca" a partir del 112, y él fue reemplazado por Paul Murry y luego por Tony Strobl y Jack Manning. Las series de Gottfredson fueron reimpresas en los números 562, 563, 568 572, 581, 582, 583, 586 y 599, y otra producción de Taliaferro en el 584.


Nuevos relatos de los regulares Mickey, Donald y Tribilín (Goofy) fueron complementados con las adaptaciones de las películas de Disney del momento y luego con las producciones de TV. Luego de meses de presentación en la pantalla grande, Los Tres Cerditos, Pinocho, Brer Rabbit, Dumbo, las ardillas Chip y Dale y Madam Mim (Mad Madam Mim, la excéntrica bruja de La Espada en la Piedra) aparecerían en las historietas. Al Taliaferro fue un prolífico sostén de la revista, otro artista de los diarios quién se pasó a las revistas. Su tira Sinfonías Tontas (Silly Symphonies), en las cuales se presentaban personajes no basados en el pato o el ratón, fueron reimpresas en el 5, presentando a los tres cerditos, con una secuela en el número 16. Hubo también adaptaciones de la película Birds of a Feather (en el 13), "The Boarding School Mystery" (en el 14), "Cookieland" y "Three Little Kittens" (en el 15), "Lee Ugly Duckling" y "Ambrose, The Robber Kitten" en el 17, y "Penguin Isle" en el 19. Su primera serie regular, si bien poco ortodoxa, nuevamente reimpresa de la tira Sinfonías tontas fue Bucky Rug entre los números 20 al 28 (excluyendo el 24 y 27), reimprimiendo una serie de entre 1932 y 1934. Esta regresó en 1944 y continuó ininterrumpídamente hasta el final de la década como una de las tiras experimentales con estilo narrativo. Las aventuras de Bucky eran todas deliberadamente en ritmo de cuartetas y pareados, un truco literalmente adaptado de "Little Hiawata" (143, 151 y 159) escrito en el mismo ritmo candente de "The Song of Hiawatha" de Henry Longfellow y, mas pertinentemente, en la forma de la narración del popular dibujo animado de Disney del que fue adaptado.


Una cantidad importante de presentaciones lograron gran cantidad y una impresionante longevidad durante lo que son considerados los años dorados, entre 1945 y 1956. En el número 52, el Lobito Malo (Li'l Bad Wolf ) hizo su aparición, hasta el 204, cuando fue mudado a Mickey Mouse para reemplazado por Scamp, el hijo de los personajes principales de La Dama y el Vagabundo (The Lady and the Tramp) generalmente dibujado por el subestimado Jack Bradley. Inicialmente escrito por Chace Craid y dibujado por Carl Beuttner, el Lobito Feroz era el hijo del Lobo Feroz (Big Bad Wolf), quién se desesperaba tratando de adiestrar sin éxito a su buen e inocente retoño el negocio familiar de villanía y el de alimentarse de casi cualquiera. Beuttner también escribió a partir del 54, cuando la tira absorbió a los Tres Cerditos (Three Little Pigs), para establecer un formato donde el lobo adulto intentaba capturar a los mejores amigos de su hijo solo para ser frustrado por el noble cachorro. La última historia de Buettner fue el 67, y el mas notable artista desde ese momento fue Gil Turner a partir del 85 quién a menudo escribía las tiras y frecuentemente presentaba a otros artistas invitados de Disney. La tira regresó entre el 248 y 288 y en muy ocacionales historias a fines de los años 70, antes de un nuevo relato de William Van Horm en el 581. La Abuela Pato (Grandma Duck) comenzó en el 121 y siguió hasta el 168 (excepto en el 135, 142 y 155) tanto en su propia tira o con Donald y Daisy. El Diario de Daisy fue otra tira ocasional, luego reemplazada por las traviesas ardillas Chip y Dale (quienes aparecieron por primera vez en el 89).


En 1952, Walt Disney's Comics and Stories se vendían a razón de una 4.000.000 de copias al mes. Como la compañía Disney vendía las historias globalmente, los gobiernos marxistas consideraban las historias atentados subversivos para seducir a los jóvenes al imperialismo / capitalismo de Estados Unidos, y el lenguaje extravagante y melodramático de Mickey y Donald era un símbolo del intervencionismo político. El Tío Rico era visto como una máscara del Tío Sam. Quizás era así, pero ellos no se hubieran preocupado mucho si es que no hubieran sido tan leidos. A medida que los años 60 progresaban, el gran énfasis fue puesto en las publicaciones basadas en los derechos televisivos que poseía Disney, tales como "Adventures of Annett (Funicello) and Merlin Jones" (Vol. 25, #1) o "Walt Disney's Theatre Presents". Con el retiro de Barks, las cosas cambiaron. A partir del número 313, una política de reimpresión de viejas historias fue instituida y el título se dedicó a relatos basados en los dibujos animados favoritos. Se fue oscureciendo hasta el fallecimiento de Whitman, acelerado por su política de solo distribuir la revista embolsada junto a otras revistas de Disney. Su último número es un triste indicador de cuan bajo el título había caido, siendo nada mas que un anuncio publicitario para las marcas de los Estudios Disney.


Dos años mas tarde se formó la editorial Gladstone, para revivir a las historietas Disney, y naturalmente las atemporales historias de Carl Barks tomaron parte en estas. La compañia tomó su nombre del increíblemente suertudo Narciso Bello (Gladstone Gander), el primo de Donald. Estos inmediatamente reinstalaron la tradición de una tira serializada de Mickey Mouse, dejada de lado en el 394, y junto a Barks y otras reimpresiones, ellos tuvieron las mejores tiras de los Estudios Disney. Las audiencias europeas nunca perdieron el gusto por los personajes y Barks y sus contemporáneos fueron reverenciados, con nuevas luminarias como Daan Jippes, Fred Milton o los numerosos miembros del estudio Gutenburghus. Las historias del pato de Jippes y Milton, tanto en colaboración como en solitario, fueron presentadas en la mayoría de los números hasta el 530, y Gladstone también encargó nuevo material. Lo mas notable fue el de William Van Horn y el del excelente Don Rosa (números 523, 524, 526, 528, 531, 547), quienes estuvieron cerca de recapturar el estilo, vigor y encanto de Barks.


Con el 548 Disney lanzó su primer linea editorial de historietas, pero las prioridades de la compañía fueron poner énfasis en la promoción de los nuevos productos, tales como Roger Rabbit o las franquicias de TV como "Chip 'n Dale Rescue Rangers". El nuevo material de los patos fue reservado para sus propios títulos, y Mickey Mouse fue temporalmente dejado de lado. Una de las primeras editadas por Disney que vale la pena encontrar es el número 550, con la primera vez editada en una revista una historia del Pato Donald por Carl Barks rechazada en los años 50 por ser muy violenta. También reeditaba la primera aparición de las ardillas Chip y Dale y la segunda del Lobito Feroz. A medida que Disney continuaba con la publicación, los editores se volvían mas precavidos al seleccionar el valioso material disponible.


Gladstone reasume la publicación a partir del 586 y William Van Horn comienza una serie de un nuevo Pato Donald a a partir del número siguiente. A este punto él encuentra su estilo, y sus tiras son distinguidas y divertidas, tomando de inspiración el estilo de Barks, pero con un arte mas frenético. A partir del número 601 la revista pasa a ser de tamaño gigante y se presentan algunos de los mejores números en toda la historia. No solo fueron seleccionados cuidadosamente las reimpresiones, presentando mucho material de importancia histórica, sinó que había memorables nuevos relatos en casi todos los números. Las historias del pato de Don Rosa, ahora enviadas directamente desde Europa, fueron serializadas entre el 601 y 616, con mas trabajos en el 618, 619 y 622. Los números entre el 620 y 629 sufrieron una caída, con la reimpresión del material europeo, a pesar de ser nuevo en Estados Unidos, no era tan bueno como el ahora ausente Rosa y no compensaban a las a veces cortas contribuciones de Van Horn. A pesar de eso, las reimpresiones permanecieron proveyendo material de calidad para los jóvenes y una invaluable y apetecible lectura para la legión de viejos fanáticos de Disney quienes finalmente pudieron ver material que buscaban leer desde hace tiempo.


El 632 reimprime por primera vez una historia de Barks dibujada por Bob Gregory, pero una particular mensión debe hacerse sobre el último número. A este punto, el editor de Gladstone, Bruce Hamilton ya estaba cansado de los problemas administrativos de lidiar con Disney, y las restricciones puestas en lo que él podía publicar. Sabiendo que iba a cesar la publicación, publicó una larga historia de Don Rosa que hacía tiempo Disney había bloqueado. El punto era que se la consideraba demasiado política para los lectores estadounidenses, y la capitulación de los pigmeos nativos americanos, a pesar de ser tomada de una historia de Barks, era ahora políticamente incorrecta. Es una gema con mensaje, y una de las mejores historias de Rosa. Este número también tiene una refinada nueva historia de Van Horn con el regreso de personajes de Barks, una raramente vista reimpresión de Barks y una excelente historia del Tío Rico por Vicar.


Durante su larga historia, y por la provisión de historias de calidad que permanecieron con los lectores toda su vida, debe considerarse como una de las revistas de mas fuerza y logros. Un comic irresistible.


Recomendados: 31, 38 al 40, 51 al 60, 88, 98, 111, 114, 117,130 al 312, 494, 511 al 534, 550, 561, 580, 600 al 603, 611 al 618, 633

Nota: En julio de 2003, la editorial Gemstone retomó la publicación a partir del número 634, la cual sigue actualmente.

CRIME DOES NO PAY
Lev Gleason / Comics House
126 números (22-147) 1942 a 1955


Generalmente considerada como la primera y mejor revista de historietas en Estados Unidos. Publicaciones previas habían mostrado al crimen (Detective Comics 1 al 26 y mas allá, por ejemplo), pero Crime Does Not Pay creó un género concentrándose solamente en casos de crímenes investigados en archivos policiales y libros de historia. En ese entonces adaptados por las fenomenales habilidades del escritor y editor Charles Biro para producir fuertes historias humanísticas, usualmente en el formato de implacables grillas de a nueve paneles que hicieron mucho por sumar al material la sensación de documental.


Con el co-editor Bob Wood y su elenco estable de artistas, complementados con los mejores talentos independientes en la industria, Biro publicó trabajos que rompieron el molde. Impregnado en la filosofía de ese período, y con la tendencia a moralizar, los relatos nunca fueron tan arrogantes como la aparentemente interminable cadena de imitadores a los que inspiraron. El pago que recibían los criminales usualmente tendía a ser la muerte, aún así la mayoría de las historias son frescas y entretenidas y rara vez repetitivas. Durante los últimos años de la década del 40, algunas variaciones en la estructura del dibujo permitieron a artistas del calibre de Dan Barry, Norm Maurer, Joe Kubert e incluso Frank Frazetta crear muy buenos trabajos, pero las estrellas de las revistas eran los guiones.


Crime Does Not Pay comenzó su vida como Silver Streak Comics (1 al 21), un título popular de super-héroes, y debe haber sido una sorpresa cuando Charles Biro pasó a ser editor en 1942 e inmediatamente tiró lejos el estilo que él llamaba "Popular Illustories" (algo así como "Ilustorias Populares"). La táctica dió resultado y las ventas se dispararon. A los tres números, creó otra serie, primero con la introducción del espectral Mr. Crime (24), un fantasmal, cadavérico narrador quien actuaba como un coro griego, animando a los criminales en sus viles actos, protestando de sus eventuales "grandes errores" y lamentando su inevitable caída. El título fue una antología a lo largo de su vida, a pesar de que algunas presentaciones regulares se incluyeron a fines de los años 40, el mas notable "Officer Common Sense". También estaba el "Who Dunnit" de Fred Guardineer, crímenes reales presentados en el formato de misterios donde el lector era provisto con todos los hechos y se los desafiaba a deducir al perpetrador. Ráramente igualado y nunca sobrepasado en el campo de las revistas de historietas de crímenes, fue la publicación de mas ventas de la editorial (cercánamente seguidas por Daredevil Comics y Boy Comics, también producidas por Charles Biro) por la mayor parte del período post-guerra. Fue también uno de los mayores objetivos de las audiencias de las historietas en el Senado en 1954, citados por los libros Seduction of the Innocent del Dr. Frederick Wertham y Parade of Pleasure de Geoffrey Wagner. Ellos sentían que contribuían al embellecimiento de los crímenes y la ignorancia de los niños, cargos que son casi insostenibles si las historietas fueran analizadas en la actualidad. La adopción del Comics Code Authority significó su final, y la revista solo duró seis números mas (142 al 147) antes de su cancelación.


De 1944 a 1953 hubo un ejemplar anual al estilo "Lo mejor de...", el cual traía juntas cuatro números de las publicaciones de ese año.


Recomendadas: 22 al 27, 41, 63, 69 al 75, 114, 140, 147.

DAREDEVIL COMICS
Lev Gleason
134 números, 1941 a 1956


Primero llamado Daredevil Battles Hitler, este título recibió un nombre un poco mas ortodoxo luego de su número debut, en el cual todos los héroes de Silver Streak Comics se unían contra el líder del Reich. El mismo Daredevil era Bart Hill, huerfano desde su infancia cuando sus padres fueron sacrificados por malvados aborígenes (¡!). Bart Hill fue criado por "los salvajes" y desarrolló habilidades de experto con el búmerang. El Bart adulto ganó, en combate, el título de jefe de la tribu y el característico traje rojo y azul dividido en cuatro que llevaría. Debido a una serie de estratagemas demasiado ridículas para ser detalladas, el viaja a la civilización, descubre que su diabólico tío estaba tras el ataque a sus padres, venga sus muertes y se queda para para usar su heredara fortuna, las habilidades con el búmerang y su divertido traje para luchar por la justicia.


A pesar de que Daredevil Comics fue inicialmente una antología, con varios héroes menores (Nightro, Pat Patriot, 13 y Jinx) compartiendo con el héroe que le daba nombre, los héroes menores rápidamente se alejaron para dejar a Daredevil como única presentación. Daredevil adquirió, así como muchos de los héroes de los años '40, ayudante juvenil temprano en su carrera... en este caso cuatro. En el número 13, él se encuentra con una pandilla de chicos, "The Little Wise Guys" ("Los pequeños Sabelotodo"), Pee Wee, Scarecrow, Meatball y Jock. Poco mas tarde Daredevil los tomaría bajo su ala, y en el número siguiente Meatball muere. Difícilmente un auspicioso comienzo. No obstante, los Wise Guys con Curly reemplazando al poco afortunado Meatball, proveyeron un auspicioso acierto. No fue la primer pandilla de chicos en las historietas, pero ciertamente la mas exitosa, y ellos rápidamente transformaron a Daredevil en un personaje de apoyo en su propio título. Para el número 42, luego de que un inescrupuloso periodista exibiera su verdadera identidad, Bart Hill rompió su uniforme rápidamente, resolvió el dilema falseando su propia muerte y así un "nuevo" pudo aparecer. Su rol en la historia menguó, de todas formas, y para el 69 se había ido completamente, dejando a los pequeños Wise Guys a cargo. Bajo Charles Biro y Norm Maurer, las historias moralistas de los Wise Guys, un amalgama de los relatos tradicionales de muchachos y las historias de crimen con las que Lev Gleason hacía su fortuna, fueron muy populares en su tiempo pero, a pesar del estilo artístico al que apelaba, se verían muy actuales hoy en día.